Peluche Poney # 2 de Laura Aguilar (1992) Laura Aguilar
Quand on pense aux photographes queer Robert Mapplethorpe, David Wojnarowicz ou Andy Warhol viennent à l’esprit. Mais nous pensons rarement aux femmes. Les hommes ont traditionnellement reçu des expositions personnelles dans les musées.
Mais une femme qui a changé le cours de l’histoire de l’art est Laura Aguilar. La rétrospective de 30 ans de l’artiste a récemment ouvert ses portes au Leslie-Lohman Museum of Art de New York, qui présente les œuvres du photographe californien jusqu’au 9 mai. Intitulé Laura Aguilar: montrer et raconter, l’exposition présente plus de 70 photos des années 1980 à la fin des années 2000 (l’artiste est décédée à Long Beach en 2018), détaillant en quoi elle était un précurseur de l’inclusion corporelle.
L’exposition est organisée par l’historienne de l’art et conservatrice Sybil Venegas, qui a enseigné Aguilar à l’East Los Angeles College de Monterey Park, en Californie. Elle dit que cette exposition est attendue depuis longtemps.
«Laura était en avance sur son temps, en particulier sur l’intersectionnalité de la race, du sexe et de la sexualité», a déclaré Venegas.
«Lorsqu’elle est devenue lesbienne, son travail était axé sur l’identité sexuelle, mais peu d’artistes de Chicanx / Latinx exploraient ces thèmes à l’époque», a-t-elle déclaré. Observateur. «Une grande partie de l’art queer à cette époque était faite par des hommes.
On y voit des portraits en noir et blanc d’hommes et de femmes des scènes queer de la côte ouest des années 1990, ainsi que des photos numériques couleur prises dans le désert, représentant des nus parmi les arbres et les lacs.
Armando de Laura Aguilar (1984) Laura Aguilar
Il y a ses collages des années 1980, qui comprennent des photos Polaroid d’elle-même et de ses amis, des phrases découpées de magazines de mode rétro et des photos de femmes dans des scènes intimes. La photo la plus emblématique d’Aguilar est un triptyque qu’elle a réalisé en 1990 et intitulé «Three Eagles Flying», mettant en scène l’artiste ligoté entre un drapeau américain et mexicain. Certains disent que cela personnifie le nerf touché par la communauté Chicanx, qui a une bataille intérieure entre leur héritage mexicain et leurs passeports américains. Aguilar était également pris entre eux.
Il y a une photo avec un autoportrait de 12 panneaux appelé «12 Lauras» de 1993 montrant l’artiste seins nus, flirtant avec l’appareil photo à certains moments, ou fronçant les sourcils dans d’autres, comme si elle se regardait dans un miroir.
Sur une photo de 1993, l’artiste prend un selfie mis en scène tout en portant un t-shirt qui dit: « L’art ne peut pas vous blesser » et avec un sourire narquois sur le visage, la légende manuscrite ci-dessous se lit comme suit: « Elle savait mieux. »
Don’t Tell Her Love Can’t Hurt (Part A) de Laura Aguilar (1993) Laura Aguilar
Aguilar est né en 1959 à San Gabriel, en Californie. Elle est née dans une famille américano-mexicaine de première génération de la classe ouvrière et est devenue photographe autodidacte. Son frère lui a appris à développer des photos dans une pièce sombre et elle a trouvé du réconfort dans le médium en tant que dyslexique.
Quand Aguilar a commencé à prendre plus de photos dans les années 1970, c’était l’époque du regard masculin. Les photographes gays de l’époque comprenaient Andy Warhol, Hal Fischer, Lee Friedlander, Sunil Gupta et Vincent Cianni.
Aguilar a offert le regard féminin étrange. C’était une Chicanx de la classe ouvrière qui se mettait elle-même et les communautés minoritaires sous les projecteurs, prenant des portraits très positifs d’elle-même et des autres. Aujourd’hui, son travail est beaucoup plus apprécié que dans les années 1990, quand Aguilar se photographiait nue. La discrimination et la grosse honte étaient des réalités courantes pour le photographe.
« Oublier les femmes photographes queer serait comme exclure les personnes queer, les artistes et les femmes en général », a déclaré Venegas à Observer. «Je pense que Laura a ressenti le besoin d’explorer et de présenter des thèmes que personne d’autre ne faisait. C’était vraiment assez visionnaire sur la destination de la culture visuelle.
Même si elle est décédée à l’âge de 58 ans en 2018, ce n’est qu’à sa première rétrospective en 2017 au Vincent Price Art Museum de Monterey Park, en Californie, que le monde de l’art a commencé à prendre note.
L’une des raisons pourrait être son approche unique des œuvres photo textuelles. Aguilar a souvent associé du texte manuscrit à des photos, tout comme Duane Michals, un photographe qu’elle admirait. Cette combinaison texte-photo a été utilisée ensemble pour sa série intitulée «Latina Lesbians» de 1987 à 1990, où elle a demandé à chaque femme d’écrire les mots qui les décrivaient le mieux pour accompagner la photo.
Sur une photo, une femme regarde la caméra, tandis que sous elle se trouve la phrase: «Vous pensez que j’ai l’air hostile? Peut-être que cela a à voir avec une passion et une impatience avec une vision. Avec le regard féminin, Aguilar a permis aux femmes de tenir tête au spectateur, non pas comme un objet, mais comme un individu pour être vu et entendu.
Ses autoportraits sont relatables. L’une montre l’artiste assise nue sur une chaise par une chaude journée d’été, elle s’appelle «Laura Aguilar, In Sandy’s Room», de 1989. Elle s’est photographiée nue dans la nature, au bord des lacs, dans les forêts, sur des troncs d’arbres à travers les années 1990 pour elle «Nature Self-Portraits», qui embrasse le corps féminin, sous la lumière et les ombres naturelles, dans toutes ses imperfections.
Bien qu’elle n’ait été acceptée par le monde de l’art grand public que bien plus tard dans sa vie, cela n’a pas empêché Aguilar de montrer sa difficulté devant l’objectif de la caméra. Dans sa série «Will Work for Axcess», de 1993, l’artiste se tient devant une galerie d’art en brandissant une pancarte en carton qui dit: «L’artiste travaillera pour axcess.» Cela révèle la frustration de l’artiste de pénétrer dans le monde de l’art en tant que femme queer Chicanx, ce qui était difficile, décennie après décennie.
Jour des morts, East LA de Laura Aguilar (1981) Laura Aguilar
Son directeur de studio de longue date, Christopher Anthony Velasco, a déclaré à Observer qu’Aguilar était un dur à cuire. Elle n’a jamais suivi aucune tendance et a exprimé sa voix haut et fort à travers la photographie. «Elle a toujours été une rebelle, elle a toujours dit:« Je veux juste faire mon truc »», se souvient Velasco.
Il était en effet radical pour Aguilar de se montrer en photographie de nu dans les années 1990, une époque de phobie grasse. Ce n’était pas du tout le moment de la positivité corporelle inclusive.
«Être une femme queer l’a placée dans un domaine différent, la plupart des institutions et des historiens ont préféré le point de vue masculin dans la photographie, le regard masculin», a déclaré Velasco, qui connaissait Aguliar depuis 2003 et a commencé à travailler dans son studio en 2013 jusqu’à son décès. 2018.
«Le mouvement de positivité corporelle et de honte anti-corporelle, Laura faisait des trucs quand sa propre communauté lui faisait honte parce qu’ils avaient leur propre point de vue conservateur», explique Velasco. «Ils ont suivi une formation en histoire de l’art d’un point de vue traditionnel et masculin.»
C’était une ère pré-Instagram quand Aguilar a commencé à se photographier nue, sans aucun filtre ni Photoshop, bien loin d’aujourd’hui. «Il lui a fallu un certain temps pour avoir une peau épaisse pour poser nue», selon Velasco. « Mais elle se sentait plus à l’aise lorsqu’elle était libre. »
Aguilar n’était pas seulement un leader visionnaire et un photographe queer pionnier, mais aussi un mentor pour d’autres photographes queer, tels que Velasco.
Il se souvient des conseils qu’elle lui a donnés. «Laura a toujours dit ‘soyez fidèle à vous-même, ne soyez jamais quelque chose que vous n’êtes pas et arrêtez d’être qui vous pensez que vous devriez être», se souvient-il. «Elle disait: ‘Vous avez une voix, utilisez-la.’ Elle était droite.
