CLEVELAND, Ohio – Le Cleveland Museum of Art a fait face à un cauchemar de conservation l’année dernière lorsque la pandémie de coronavirus a transformé son calendrier d’expositions calibré avec précision d’une montre suisse en fromage suisse.
De grands spectacles sur des sujets tels que la sculpture cambodgienne du VIIe siècle et les œuvres sur papier de Pablo Picasso ont été reportés, perforant des trous dans un calendrier compliqué encore par les fermetures temporaires du musée de mars à juin, puis de novembre à ce jour. janvier.
Le musée a d’abord abordé son dilemme d’exposition en prolongeant la série de «Proof», une exposition majeure sur fiches contact par de célèbres photographes modernes et contemporains.
Maintenant qu’il est de nouveau ouvert, le musée est sur le point aujourd’hui (dimanche 7 février) de révéler sa réponse la plus récente et la plus créative au chaos du calendrier. Au lieu d’essayer d’obtenir des prêts auprès d’autres musées au milieu de la confusion causée par la pandémie, le musée extrait sa propre collection de trésors qui n’ont pas été exposés depuis des décennies, voire jamais.
«Stories from Storage», comme on l’appelle l’exposition, comprend plus de 300 objets organisés selon 20 thèmes individuels dans une série de mini-expositions organisées par 18 conservateurs, le directeur du musée William Griswold et Key Jo Lee, le directeur adjoint du musée de affaires académiques.
Cela peut ressembler à fouiller dans le grenier dans une panique pour remplir l’espace de la galerie, mais ne vous y trompez pas: le spectacle est une boîte de chocolat virtuelle de rencontres visuelles délectables.
De retour dans la lumière
À l’affiche jusqu’au 16 mai, l’exposition met en valeur l’étendue de la collection du musée, explore des approches d’interprétation variées et découvre des choses merveilleuses qui surprendront même les plus fidèles.
Qui savait que l’institution possède une collection spectaculaire de textiles africains, allant du XVIIIe siècle à nos jours? Vous ne le feriez pas parce que la plupart n’ont pas été montrés depuis un demi-siècle, et certains n’ont jamais été montrés. Cela est vrai en partie parce que les galeries africaines du musée sont principalement créées pour montrer des sculptures, pas des textiles.
Qui savait que le musée possède une délicieuse collection de sculptures animalières miniatures et de jouets fabriqués en Autriche et en Allemagne dans les années 1920 et 1930? Vous ne le feriez pas à moins d’être profondément familier avec la collection d’éducation de l’institution, longtemps considérée comme le second violon de la principale collection permanente, mais qui mérite clairement une plus grande attention.
L’exposition s’étend à travers les deux galeries d’expositions spéciales de niveau inférieur du musée, accessibles par escalator depuis l’atrium central au niveau principal.
Chaque partie du spectacle a sa propre perspective sur ce qui devait être apporté à la lumière du jour et pourquoi. La variété contribue au rythme et à l’élan exaltants de l’émission.
Des perspectives multiples
Naturellement, certains conservateurs se sont inspirés de la pandémie.
Britany Salsbury, conservatrice associée des estampes et dessins, a choisi «Open Windows» comme thème, sélectionnant 18 œuvres d’artistes allant de Rembrandt à René Magritte. Comme elle le dit dans un texte mural, les images semblent toutes «opportunes à un moment où beaucoup d’entre nous ont ressenti l’isolement et le désir engendrés par le fait d’être confinés à l’intérieur et ont romancé ce qui se trouve au-delà de nos maisons.
Gerhard Lutz, conservateur de l’art médiéval, s’est concentré sur «L’art au temps de la peste noire», un sujet naturel lors d’une pandémie. Il a exposé des manuscrits enluminés autour d’une sculpture française située au centre, «La Vierge allaitant l’enfant Jésus», vers 1370. L’œuvre est une représentation tendre de la maternité qui, selon Lutz, pourrait incarner une réponse religieuse à l’épidémie de peste bubonique qui a tué le 14ème siècle. 25 millions, soit plus d’un tiers de la population européenne.
Malgré de tels moments, n’ayez pas peur: la maladie et la mort ne sont pas dominantes dans la série.
Seth Pevnick, conservateur de l’art grec et romain antique, a transformé son espace de galerie en un polar archéologique. Il invite les spectateurs à s’interroger sur l’authenticité des sculptures, des céramiques et des objets en verre qui sont restés entreposés car le musée ne sait pas s’ils ont été entièrement ou seulement partiellement réalisés dans l’Antiquité. Il a salé la galerie avec des copies pour montrer à quel point une telle recherche peut être délicate.
Cory Korkow, le conservateur associé de l’art européen, explore les œuvres de grands maîtres européens qui posent des problèmes d’attribution et de conservation.
Une «Adoration des mages» du XVIe siècle, autrefois attribuée au Titien, l’un des plus grands peintres vénitiens de la Renaissance italienne, est présentée pour la première fois depuis des décennies, mais avec une question attachée: est-ce vraiment un Titien? Ou est-ce principalement par des membres de son atelier?
Des recherches supplémentaires sont nécessaires pour déterminer si la peinture – fortement endommagée par le sur-nettoyage – est 100% Titien, comment elle se compare aux autres versions de Madrid et de Milan, et laquelle est venue en premier.
Griswold et Lee s’affrontent dans des interprétations en duel d’un monumental dessin et collage de 2016 en deux panneaux de l’artiste américaine contemporaine Kara Walker, «La République de la Nouvelle Afrique à la croisée des chemins», dont le titre fait référence à un mouvement séparatiste noir des années 1960 dans le sud des États-Unis
Un panneau de texte écrit par Griswold met l’accent sur les perspectives historiques de l’art classique, y compris sa spéculation selon laquelle le Walker, qui représente une bataille parsemée de corps noirs démembrés, évoque l’énergie de l’art baroque italien que l’artiste aurait vu lors d’une résidence à l’Académie américaine de Rome en 2016.
Lee adopte un point de vue différent, considérant la bataille décrite comme une expression de l’incapacité de l’Amérique à prendre en compte l’histoire de l’esclavage, assimilant les corps démembrés à «une histoire totalement démembrée».
La pièce de Kara Walker, comme les photographies, les gravures, les dessins et les textiles de la collection du musée, appartient à une catégorie d’objets destinés à passer la plupart de leur temps en stockage car ils sont sensibles à la lumière.
Limites spatiales
Ces œuvres tournent constamment dans les galeries du musée. Pour eux, «Stories from Storage» est simplement l’occasion de les faire ressortir. Mais l’émission révèle d’autres raisons plus compliquées pour lesquelles certaines œuvres passent des décennies dans l’obscurité.
L’espace est certainement un problème. Un agrandissement et une rénovation de 320 millions de dollars achevés en 2013 ont permis au musée d’agrandir sa superficie de 52%, passant de 389 000 à 592 500 pieds carrés. Mais le projet n’a pas résolu le problème d’espace du musée.
Parce que les revenus de la moitié de la dotation du musée, évalués à 826 millions de dollars l’an dernier, sont réservés aux achats d’art, le musée est une machine à collectionner dont la croissance est garantie. C’est merveilleux, mais cela signifie aussi que le bâtiment du musée est sous pression constante. Si quelque chose de nouveau apparaît, quelque chose d’autre doit être stocké.
Nouveau venu lumineux
Les conservateurs ont du mal à faire de tels choix. Par exemple, il y a 10 ans, le musée a acheté «Haverstraw Bay» de Sanford Robinson Gifford en 1868, une petite toile lumineuse représentant la plus large étendue de la rivière Hudson, à environ 35 miles au nord de New York.
La peinture ne mesure que 9,5 pouces de haut et 20 pouces de large, ce qui rend difficile à afficher parmi les œuvres plus grandes de la galerie réservée aux peintures de paysages américains du XIXe siècle, selon un panneau de texte écrit par Mark Cole, conservateur de l’art américain.
Cole a décidé de faire ses débuts avec le petit tableau en le laissant seul dans «Stories from Storage», mis en lumière dans une piscine d’obscurité dans une pièce à part. L’installation met en valeur le pouvoir de gemme du tableau et lui donne une aura presque sacrée. Mais cela ne répond pas au problème de savoir où le tableau s’intégrerait dans les galeries de la collection permanente une fois «Stories from Storage» terminé, ou si c’est le cas, ce qui serait stocké pour lui faire de la place.
Il n’y a que tellement d’espace pour tout le monde. Les deux grandes galeries d’exposition spéciale accueillant «Stories from Storage» totalisent près de 14 000 pieds carrés. Avec d’autres galeries d’expositions spéciales totalisant 6000 pieds carrés, le musée dispose de 65% d’espace en plus pour des expositions temporaires qu’avant son expansion. Mais l’espace de la galerie pour la collection permanente n’a augmenté que de 12,3%, passant de 101 000 à 113 000 pieds carrés.
Le musée expose actuellement 4 646 œuvres dans ses galeries de collections permanentes, sur une collection qui compte aujourd’hui 63 674 objets.
Des choses qui «ne correspondent pas»
L’espace, cependant, n’est pas le seul problème. Sue Bergh, la conservatrice de l’art précolombien et amérindien, a intitulé sa partie de l’exposition, «Things That Don’t Fit (Here).» «C’est sa façon de dire que les galeries précolombiennes existantes, par définition, ne sont pas» t le bon endroit pour montrer plusieurs beaux serapes de Saltillo mexicains datant des années 1500 aux années 1800, maintenant visibles dans l’exposition spéciale.
Les galeries précolombiennes se concentrent sur des objets religieux et politiques d’élite avant l’arrivée de Colomb dans les Amériques, ce qui en fait également pas les bons endroits pour montrer la délicieuse collection du musée de figurines d’art populaire précolombien en argile, également visible dans l’exposition.
Les récits d’histoire de l’espace et de l’art sont certainement en cause dans le département de conservation traitant de l’art européen des XIXe et XXe siècles.
Pour «Stories from Storage», le conservateur William Robinson a créé une salle pleine de paysages époustouflants de Georges Roualt, Piet Mondrian, James Ensor, Henri le Sidaner et d’autres grands noms. Ils crient tous pour être visibles à long terme. Cela nécessiterait probablement de stocker d’autres œuvres.
Mais où le musée devrait-il placer un magnifique paysage de jardin de 1941 de Jacques Villon, peint dans le style cubiste? Il est historiquement trop tard pour s’accrocher aux œuvres cubistes des années 1910, et il n’aurait aucun sens de le placer parmi la séquence d’œuvres surréalistes des années 1920 et 1930. Donc, il a passé beaucoup de temps dans le purgatoire de stockage, en attendant son moment glorieux dans «Stories from Storage».
Le Villon et d’autres œuvres similaires de l’exposition plaident pour des rotations plus fréquentes dans les galeries de la collection permanente et des approches plus innovantes des histoires que le musée y raconte.
Surtout, l’exposition constitue un argumentaire puissant pour faire plus de spectacles comme celui-ci dans les années à venir. Il y a sûrement beaucoup d’autres bonnes histoires à raconter à partir du stockage.
LA REVUE
Quoi de neuf: «Stories from Storage», une enquête sur des œuvres rarement montrées de la collection permanente.
Lieu: Musée d’art de Cleveland.
Où: 11150, boulevard Est, Cleveland.
Quand: Jusqu’au dimanche 16 mai.
Admission: Gratuit pour les membres du musée, 12 $ adultes non-membres. Appelez le 216-421-7350 ou rendez-vous sur clevelandart.org.