Le médium de l’animation transcende non seulement les frontières dans des mondes que nous n’aurions jamais explorés auparavant, mais il peut également fournir des commentaires au-delà des références de la culture pop et être relatable de manière à ne pouvoir s’exprimer qu’à travers cette forme d’art. Certains sont prompts à supposer que la majorité de l’animation est uniquement destinée aux enfants sans profondeur ni couche. Bien que certains films existent pour combler ce besoin de «divertissement de malbouffe» facile pour les enfants, l’animation est considérée comme un genre, alors qu’elle est tellement plus. Comme cela a été m’a dit par Brad Bird, réalisateur de «The Incredibles» et «Ratatouille», «L’animation est une forme d’art et elle peut faire n’importe quel genre.» Cette semaine, les éditeurs de The Channels proposent leurs meilleurs choix pour leur film d’animation préféré.

Ryan P. Cruz, Éditeur en chef

‘Spider-Man: Dans le Spider-Verse’ (2018) – Columbia Pictures / Sony Pictures Animation

Cette version animée du classique des super-héros américains n’était que la dernière d’une série d’adaptations de Spider-Man, mais ses personnages uniques et ses graphismes époustouflants le distinguent de tous les autres films Marvel et en font mon préféré. Le style d’animation est un mélange d’animation par ordinateur moderne et d’illustrations classiques dessinées à la main, et le script parvient également à mélanger le conte bien connu de Peter Parker avec une nouvelle tournure: un Spider-Man métisse adolescent de Brooklyn qui doit annuler un univers fracturé. J’adore quand les films explorent les théories des dimensions alternatives et des univers parallèles, et je ne m’attendais pas à ce qu’un film d’animation Spider-Man plonge aussi profondément dans la science théorique. Miles Morales est un adolescent tellement compréhensible, maladroit et pris entre deux mondes, et c’est formidable d’avoir enfin un héros mi-noir, mi-latino dans un film grand public. « Into the Spider-Verse » montre que s’il est bien fait, vous pouvez jouer avec une histoire classique et la raconter d’une nouvelle manière pour toucher de nouvelles générations de fans. Il y a tellement de choses à aimer dans ce film, du sujet à la valeur de production, et je le recommanderais à tous ceux qui recherchent un bon film familial à regarder sur Netflix.

Jacob Frank, Éditeur de nouvelles

‘Lilo & Stitch’ (2002) – Animation de long métrage de Walt Disney

«Lilo & Stitch» ne vieillira jamais. Ce n’est pas seulement un film préféré de l’enfance, mais un classique magnifiquement animé qui me fait toujours rire. Je ne sais même pas combien de fois je l’ai vu, mais je suis toujours prêt à le regarder. Stitch est un extraterrestre qui atterrit sur les îles hawaïennes pour rencontrer Lilo, une jeune fille aux prises avec les difficultés d’être une jeune fille élevée par sa sœur aînée. A la fois amer et doux, je pourrais être en train de rire hystériquement ou de me faire tirer les cordes de mon cœur dans la même scène. Il y a aussi une bande-son incroyable qui me fait sourire encore aujourd’hui. Ce film frappe près de chez moi parce que je le regardais avec mes sœurs et nous citons toujours le film, en particulier ma sœur Jaycie qui fait une impression incroyable de Stitch. Cela me fait toujours penser à mes sœurs et à ma famille, ce qui est aussi le thème central du film. La phrase tristement célèbre, «Ohana signifie famille, et famille signifie que personne n’est laissé pour compte ou oublié» est à la fois vraie et intemporelle. J’adore ce film.

August Lawrence, Rédacteur d’opinion

« Yellow Submarine » (1968) – Syndicat United Artists and King Features

Ce que j’aime le plus dans ce film, ce n’est pas l’animation trippante, ses monstres cauchemardesques ou ses personnages loufoques. Ce sont plutôt les vibrations débordantes de l’amour psychédélique sur certaines des plus grandes musiques connues de l’homme. Je suis peut-être un peu partial parce que les Beatles ont toujours été mon groupe préféré, mais le classique animé de 1968 «Yellow Submarine» est toujours et sûrement l’un des plus grands films que j’ai jamais vu. Je le revisite au moins une fois tous les cinq mois environ. L’histoire suit les quatre Beatles – John, Paul, George et Ringo – dans leur quête à travers le magique Pepperland pour trouver et sauver le Sgt. Pepper et son groupe de Lonely Hearts Club des griffes des «Blue Meanies» qui détestent la musique. Que les gars évitent les bombes à la pomme verte larguées par Apple Bonkers de 15 pieds de haut ou dérivent paresseusement à travers la « mer du temps » avec le « Nowhere Man », il n’y a jamais un moment ennuyeux à vivre lors de ce voyage animé. Créé au plus fort de l’amour libre des années 60, mouvement hippie du pouvoir des fleurs et avec une bande-son stellaire du groupe, Yellow Submarine regorge de messages pas si subtils de paix, de solidarité et par-dessus tout, «tout ce dont vous avez besoin est amour.» L’énergie physique de la musique du groupe et la force écrasante de l’amour sont ce qui donne à nos héros la force et le courage de réussir. C’est le genre de film assez imaginatif et fantasque pour avoir ravi mon moi de cinq ans, tout en étant emballé avec toute la sophistication et le questionnement philosophique qui me fait revenir pour plus. (Peut-il vraiment y avoir moitié un trou dans ta poche?)

Cassandra Wilkins Éditeur d’opinion

‘Shrek’ (2001) – Animation DreamWorks

Nous avons tous cet ami qui dit qu’ils seront juste à l’extérieur quand vous serez là pour les chercher. Heureusement, je suis de retour. Shrek est toujours là pour me sauver. Je garde tout le jeu de DVD de la série Shrek préchargé dans ma voiture juste en cas d’urgence comme celle-ci.

Dans un pays plein de personnages de contes de fées, un grand ogre vert et grincheux qui vit dans un marais et un âne qui parle deviennent amis après avoir été étiquetés comme des parias.

Il est de leur devoir de sauver la belle princesse Fiona et de la ramener à Lord Farquaad qui aspire à devenir roi. Elle a été jetée dans un château gardé par un dragon qui doit être exilé.

À son arrivée, Fiona pense que le beau prince qui la sauve sera le baiser de son véritable amour et est déçue de découvrir que son chevalier en armure brillante est un ogre.

L’ironie dramatique du film est que la princesse Fiona a été maudite par la fée marraine. Chaque jour au coucher du soleil, elle se transforme également en ogre. Pour que la malédiction soit brisée et ne soit vue que sous sa forme la plus vraie (une belle princesse qu’elle croit), elle doit embrasser son véritable amour. C’est pourquoi elle était si bouleversée et rapide à juger Shrek.

Tout au long du long voyage de retour, la princesse et Shrek tombent amoureux, ne sachant pas qu’elle est aussi une ogre.

Ce film peut être apprécié à la maison avec toute la famille, ou dans votre voiture en attendant que vos amis sortent.

J’ai choisi ce film car il est fait de manière légère et comique qui montre l’importance de l’amour de soi et la réalité de juger les autres avant de les connaître et comme clichéest comme cela semble, nous ne devrions pas juger un livre par sa couverture.

Oh, et ai-je mentionné que l’âne tombe amoureux de la dame dragon qu’ils étaient censés tuer. Oui, cela arrive et ils ont les plus mignons petits bébés âne-dragon que vous devez voir dans Shrek 2.

Alliage Zarate, Éditeur de fonctionnalités

‘Coco’ (2017) – Pixar / Walt Disney Pictures

Je peux sentir les soucis, les tamales et les chaussures en cuir quand je regarde ce film. Il s’agit d’un garçon mexicain qui rêve de devenir musicien contre la volonté de sa famille. Son arrière-arrière-grand-mère a lancé une entreprise de chaussures et a interdit à la famille de faire de la musique après que son mari les ait quittés pour poursuivre une carrière musicale. Le garçon, Miguel, s’enfuit de sa famille et est transporté au Pays des Morts où il en apprend davantage sur l’histoire et la culture de sa famille. J’adore le fait que la culture mexicaine fasse partie intégrante de l’intrigue et ne soit pas utilisée comme accessoire. Cette histoire ne fonctionnerait pas si vous changiez le décor et la race des personnages. Le film n’est pas exactement une comédie musicale, mais la musique est l’une de ses caractéristiques déterminantes. Les scènes musicales font avancer l’intrigue et s’intègrent dans le décor. Comme quand Miguel fait face à son trac et défend explicitement à sa famille de chanter en public. Le personnage principal de l’adolescent se rebellant contre sa famille et réparant les divisions est si relatable. L’histoire est à la fois théâtrale et ancrée dans la réalité. C’est très immersif, magnifiquement animé et hilarant.

Rodrigo Hernandez, Éditeur Arts & Entertainment

‘Howl’s Moving Castle’ (2004) – Studio Ghibli

Hayao Miyazaki est l’un des scénaristes / réalisateurs les plus prolifiques qui utilise l’animation pour emmener le spectateur dans des scènes à couper le souffle, tout en donnant un sentiment de relatabilité au jour le jour et en ne se détournant pas des commentaires historiques et sociaux. Tous ces traits sont omniprésents dans l’histoire imaginative de « Howl’s Moving Castle », un film sur une fille qui se fait maudire par une sorcière jalouse, qui se retrouve ensuite dans un château en mouvement enchanté qui est envoûté par le sorcier Howl. Tout en ayant toutes les histoires d’un fantasme familial, le film incorpore les thèmes sophistiqués de l’insensé de la guerre, de la crainte et de la destruction du vol et de la technologie, et de la compassion. Ce sont des thèmes récurrents tout au long du travail de Miyazaki, comme on le voit dans « Castle in the Sky » et « Princess Mononoke », mais les thèmes de l’anti-guerre dans « Howl’s Moving Castle » ne sont soulignés et influencés que par l’invasion américaine de l’Irak en 2003. Le film tisse de manière complexe ces thèmes lourds avec des paysages et des décors qui dépassent l’imagination du spectateur. La cerise sur le gâteau est la bande-son qui est probablement l’une des partitions les plus belles et les plus édifiantes jamais filmées. Les critiques ne tardent pas à affirmer que de nombreux films de Miyazaki ont l’impression qu’ils «n’ont pas d’histoire» ou qu’il «n’y a pas de force motrice derrière l’histoire». Je soutiens que l’intention derrière cette façon de raconter des histoires n’est pas censée être shakespearienne, en ce sens que les actions des personnages conduisent l’histoire, mais qu’elle est plutôt censée être un regard tranche de vie sur ces personnages, ce qui histoire beaucoup plus relatable et personnelle dans l’ensemble. Un autre thème qui est présent dans ce film et tout au long du travail de Miyazaki est l’autonomisation des femmes et des jeunes filles. Avoir des personnages avec une forte personnalité et des motivations indépendantes sert non seulement de message positif pour les enfants, mais donne également aux personnages un sens profond de compréhension. Parmi les nombreux thèmes de «Howl’s Moving Castle», la compassion englobe l’histoire, chaque personnage plaçant les besoins des autres avant ses propres intérêts. Ce type de dévotion et de compréhension est quelque chose que nous pourrions tous utiliser en période d’hostilité et de peur.

Désirée Erdmann, Éditeur de photos

‘Monsters Inc.’ (2001) – Images Pixar / Walt Disney

En grandissant au début des années 2000, il y avait généralement trois principales chaînes de télévision que les enfants regardaient: Disney, Nickelodeon ou Cartoon Network. La plupart des gens de mon âge vont désormais se considérer comme des «enfants de spectacle Disney» ou comme des «Nickelodeon Kid». Personnellement, comme vous pouvez le deviner, j’aime m’appeler un enfant de Cartoon Network. Pour cette raison, j’ai regardé ma juste part de films d’animation, d’émissions de télévision et de courts métrages. Des classiques du Studio Ghibli comme «Spirited Away», à l’original de Cartoon Network «The Powerpuff Girls» et à tout court métrage de crédit de Disney. J’ai tellement de films d’animation sur lesquels j’aimerais beaucoup écrire mais le classique Disney / Pixar de 2001, ‘Monsters Inc. », est celui sur lequel je voudrais me concentrer. Le film, à mon avis, a vieilli à merveille. Je pense que c’est toujours aussi amusant pour les enfants qu’il l’était en 2001. C’est un film plein de couleurs vives et un scénario en profondeur qui garde un public de tout âge aspiré jusqu’à la fin. J’ai peut-être un chat nommé d’après le personnage principal et le monstre Sully, mais en grandissant, mon personnage préféré a toujours été Boo. La fillette de deux ans traverse le monde des monstres et la vie des monstres Sully et Mike Wazowski est chamboulée pour le mieux.